XXVIII Salón del Comic de Barcelona

Barcelona. (EFE).- En un mundo eminentemente masculino, un grupo de mujeres dibujantes, veteranas y noveles, han sido hoy protagonistas de la jornada inaugural de la 28 edición del Salón Internacional del Cómic de Barcelona (FICOMIC), donde Manuel Vázquez va a tener también un destacado recuerdo.

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MÁS INFORMACIÓN

• El Saló del Còmic se va al cine

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Una quincena de autoras españolas han participado en un pequeño acto de homenaje organizado por la editorial Glenat, que ha convocado a dibujantes casi pioneras, como Purita Campos ("Esther y su mundo"), Carmen Barbará ("Mary Noticias"), Mariel Soria ("Mamen") o Montse Clavé, pero también a ilustradoras más jóvenes como la pamplonesa Idoia Iribertegui o la multifacética Sandra Uve.

Purita Campos, las más conocida y exitosa de todas ellas, gracias a "Esther", la adolescente alocada que generó y mantiene un tropel de seguidoras, casi cuatro décadas después de su creación, ha reconocido a Efe que a pesar de que siguen siendo minoría las dibujantes "algo han prosperado".

"Cuando empecé nos decían que los dibujos que hacíamos no estaban mal, pero que los hombres lo hacía mejor... Vendí muchísimo, pero a mí no me pagaron royalties, y eso que la serie duró casi veinte años cada semana", explica esta autora que trabajó en el Reino Unido -donde 'nació' "Esther" con el nombre de Patty- y que ahora se está "aprovechando" de la nostalgia de sus fans, pero también de la llegada de nuevas lectoras.

Campos -reciente medalla de las Bellas Artes- y Carmen Barbará coinciden al señalar que la presencia de la mujer en este sector es minoritaria. "Nosotras somos de una época en las que se pusieron de moda las historias de amor, de aventuras y de misterio, que es lo que hacía mi personaje ("Mary Noticias"), que eran diferentes a las protagonizadas hasta entonces por jovencitas más cursis", explica Barbará, que recuerda que aquellos cómics sirvieron de escape para muchas adolescentes.

"Para mi fue una época maravillosa, pero siendo mujer tuve que compaginar las tareas del hogar con la crianza de los hijos... aunque siempre entregue las cosas a tiempo", recuerda.

El Salón de Barcelona, que ha sido inaugurado por el conseller de Cultura de la Generalitat, Joan Manuel Tresserras, estará abierto hasta el domingo, y en esta edición, además de 160 expositores por los que pasarán autores como Moebius, Gilbert Shelton o el francés Jacques Tardi -uno de los homenajeados del certamen- incluye una serie de exposiciones entre las que destacan la dedicada al "Príncipe Valiente", de Hal Foster, o la de Manuel Vázquez.

La monográfica de Vázquez, padre entre otros personajes de "La abuelita Paz", "La familia Cebolleta", "Anacleto, agente secreto" o "Angelito Gu-gú", el surrealista bebé que viajaba en una cestilla, recrea el estudio de este dibujante que supo reirse de sí mismo, y que se convirtió en un personaje siempre perseguido por el fisco y unos impenitentes acreedores.

La exposición, que incluye originales de historietas y tiras publicadas por Bruguera, Ediciones B, o diarios como El Observador, así como algunos dibujos inéditos, viene acompañada por una gran foto del actor Santiago Segura, que será Vázquez en el biópic que el director Óscar Aybar ha dedicado al dibujante fallecido en 1995.

"Los ritmos del cómic", donde se repasa la relación entre la música y las viñetas, es otra de las principales exposiciones de esta edición, en la que Holanda y el País Vasco son los invitados de honor, que contarán con expositores propios por donde pasarán dibujantes de estos territorios.

El salón ha reservado varios espacios para las novedades en vídeojuegos inspirados en el mundo del cómic, e igualmente habrá expositores dedicados a los estrenos cinematográficos que beben de las viñetas, una vertiente audiovisual que el festival quiere promover.

En la jornada de hoy también se presenta el proyecto del futuro Museo del Cómic y la Ilustración de Cataluña, que se instalará en la antigua fábrica Caci de Badalona, un equipamiento de 4.200 metros cuadrados que tiene previsto abrir sus puertas en 2012. Este espacio, promovido por la Generalitat, dispondrá de una destacada colección de ediciones históricas, con cabida para los nuevos formatos de difusión digital, así como para las exposiciones temporales. Tomado de la Vanguardia

El arte, fuente del arte

Resulta muy original y puede serviros para repasar algunas imágenes, desde luego el arte siempre sirve de fuente de inspiración para el arte

Hundertwasser, un creador de gran originalidad

A la hora de crear uno de los personajes más interesantes es Hundertwasser, aquí te aportamos algunos datos de su vida y alguna de sus obras:

Biografía

Friedrich Stowasser nace en una familia medio judía por parte de su madre en Viena y en sus primeras etapas de educación asiste a clases en el colegio Montessori de Viena en 1936. Para salvar a la familia del Holocausto la madre de Hundertwassen lo alistó en la juventud hitleriana. Cuando los soldados de la SS pasaban revisión por su casa, Hundertwasser abría la puerta con el uniforme nazi, adornado con las medallas de su padre (fallecido cuando su hijo tenía un año de edad) de la primera guerra mundial. Hundertwasser asistió brevemente a las clases de la Facultad de Bellas Artes de Viena en 1948 y comenzó su propia producción a finales de los años 1940s.

Características de su obra

Las características originales de Hundertwasser son la expresión del shockg en el arte pictórico, la filosofía del ambientalismo environmentalismo, el diseño de fachadas, sellos postales, banderas y vestidos (entre otras áreas). Los temas comunes en este trabajo son el rechazo a las líneas rectas, colores brillantes, formas orgánicas, una reconciliación de los humanos con la naturaleza, y un fuerte individualismo. El permanece constantemente en su estilo sui generis, a veces sus diseños arquitectónicos se parecen a los del arquitecto catalán Antoni Gaudí en sus formas biomórficas.Fue inspirado por los trabajos de Egon Schiele desde muy joven, y su estilo a menudo es comparado con el de Gustav Klimt. Su inspiración eran las espirales, y llegó a denominar a la linea recta como la "herramienta del diablo". El denominó a su teoría del arte "transautomatismo", basando su teoría en el Subrealismo automático.

Por lo que adquirió notoriedad Hundertwasser fue por sus pinturas de múltiples colores, hoy en día es muy conocido por sus diseños arquitectónicos revolucionarios, que suelen incorporar características naturales a los paisajes, mediante el uso de formas irregulares en los edificios que diseña. Los denominados: Hundertwasserhaus, son apartamentos de bajo coste en Viena, tienen las características de ser de pisos ondulantes ("un piso ondulado es una melodía para los pies"), un tejado recubierto de tierra y vegetación, y grandes árboles creciendo en las habitaciones, con sus limbos extendiéndose por las ventanas. No cobró por el diseño de las Hundertwasserhaus.

Sintió que la arquitectura estándar no podía denominarse como arte, y declaró que el diseño de cualquier edificio debería estar inluenciado por la estética de cada uno de sus habitadores. Hundertwasser fue conocido por su performance art, en el que por ejemplo se puede ver como aparece en público desnudo promocionando un toilete más ecológico y ahorrador de agua. En 4 de julio de 1958 celebró un controvertido manifiesto Verschimmelungs-Manifest, denominado también como Manifiesto Mould en contra del racionalismo en arquitectura, en la abadía de Seckau. En 1972 publicó otro manifiesto Your window right — your tree duty: en el que sugería que platar árboles en entornos urbanos debía ser obligatorio.

Su trabajo se ha empleado en la elaboración de banderas, sellos, monedas, posters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y ha sido adoptado en Nueva Zelanda en el diseno de edificios. Su bandera más famosa es la Bandera de Koru; él diseno sellos para las islas de Cabo Verde y para las Naciones Unidas, la administración postal de Geneva. ( ver más en Wikipedia)

André Masson: Introspección a un mundo heteróclito

André Masson: Introspección a un mundo heteróclito

Publicado por Rhumbas Y Canvas

Entrada al cosmos particular

André Masson, sentenciado en los manuales como ‘pintor surrealista’, nos hará notar que esta aseveración peca de rígida y totalizadora. Encerrar a Masson bajo el título de un único estilo o movimiento sería limitar nuestra propia experiencia en el mundo, sería no querer ver que, más allá, en las profundidades de su obra, existe un sinfín de momentos que instan a un alto en nuestra contemplación y reflexión.

La obra de Masson inspira un enfrentamiento con un universo caótico –el agujero negro del universo- pero ordenado; con una anarquía liberadora pero abrumante; sentimos un peligro y una advertencia latentes.

El corpus de obras que analizaremos, reúne cinco pinturas correspondientes a cinco momentos diferentes en la conformación de este mundo propio. Tomaremos como eje principal la obra denominada Meditación sobre una hoja de roble, del año 1942, correspondiente a su etapa surrealista, para luego, a través del trabajo, realizar saltos de apreciación hacia las cuatro obras restantes: Los segadores andaluces -1935-, correspondiente a su etapa expresionista en base a una temática de protesta social; Tauromaquia -1936-, correspondiente a un boceto de la misma etapa; Retrato de un adolescente en un bosque americano -1943-, otra obra de su momento surrealista avocado a los retratos; y por último, Lamento -1963-, derivada de un período informalista.

La obra de Masson nos viene al encuentro con una explosión de color que irradia desde un fondo oscuro y abismal, en la cual hasta un boceto realizado con tinta negra sobre papel, parece irradiar rojos, amarillos, azules. Hay algo que provoca este shock, este sobresalto saturado y secreto. Hay algo detrás de la obra de Masson que nos solicita constantemente insertarnos en su expresión. Hay algo a develar, algo oscuro y brillante. Quizás por esto, el academicismo lo acota a un término único y definitivo. Porque el enigma llama sólo a los animosos para que lo develen, solicita interés y arrojo.

Apenas nos enfrentamos con la obra de Masson, percibimos que hay algo que está a nuestro aguardo detrás de la pura materialidad. Esto representa un desafío desde el momento en que corremos el agradable riesgo de encontrarnos con algo nuevo y desconocido para nosotros, o, mejor aún, algo que ya sabemos y con lo que estamos obligados a reencontrarnos. Porque la libertad que implica este trabajo, representó en una primera instancia la elección –libre también- de un artista cualquiera, de las obras de alguien a partir de las cuales pudiéramos hablar desde nuestra posición en el mundo. Y esto implica a su vez una elección que remite a uno mismo, ya que somos lo que vemos, somos un cuerpo encarnado libidinalmente en nuestra percepción del mundo. Pondremos nuestra ceguera a disposición de nuestro objeto de análisis –las obras-, remitiéndonos a nuestras represiones primarias y secundarias. “Lo que nosotros somos es la posición de nuestro objeto respecto del mundo”. Probablemente nos sintamos identificados en la obra de Masson, o nos enfrentaremos a alguna porción de nuestro propio cosmos.

Esto representa una tarea profunda y de por sí está lejos de ser simple. Pero representa a su vez una instancia de reconocimiento de uno mismo, a través del placer que significa adentrarse en el mundo de la expresión, en la manifestación artística de alguien, producto de la “sublimación”.

En palabras de Salomón Resnik, este “orden aún no conocido” está al aguardo de los seres sensibles. Eso es lo que intentaremos hacer en el presente trabajo. Para esto, habremos de estar alerta.

Un artista infinito: primer acercamiento

André Masson nace en Balagny-sur-Thérain en el año 1896 y fallece en París en el año 1987. Introduciéndonos a la generalidad de su estilo conocido, entendemos que es uno de los más importantes y tal vez el menos conocido de los pintores surrealistas, pero también deberemos tener en cuenta, como habrá de ser explicado, la diversa gama de estilos que el pintor plasmó en sus telas a lo largo de los años.

Para empezar, es considerado pionero del expresionismo abstracto y su etapa norteamericana, la cual comienza en el año 1940, es tomada como decisiva para la configuración de la action painting (‘pintura de acción’) de Jackson Pollock.

Su obra pictórica -poco viable de ser clasificada- pasa, en una primera etapa, por el cubismo y, a partir de 1922 -tras conocer a André Breton-, comienza a entrelazarse con caminos que lo llevan por el automatismo con un método que consiste en pintar sobre el lienzo con pegamentos, añadiendo después arena coloreada.

En 1947 se establece en Aix-en-Provence, donde inicia un acercamiento a la naturaleza que se tradujo en el interés por la abstracción con influencias de la cultura oriental y la filosofía zen.

Su obra tiene la peculiaridad de visitar varios mundos al mismo tiempo. Desde la perspectiva técnica y compositiva, pasó por el automatismo, el cubismo, el expresionismo y el informalismo, como ya fue anticipado.

Algunos de los temas más recurrentes en sus cuadros son la guerra y la naturaleza, especialmente bosques, naturalezas muertas y figuras agrupadas alrededor de una mesa. Recordemos que su alistamiento en la Primera Guerra Mundial, de la que resultó herido, dejó una marca intensa en la identidad del pintor.

Influido por la cultura hispana -vivió una temporada en Tossa de Mar, Cataluña-, transitó un período durante el cual pinta mitos españoles, temas taurinos y dibuja caricaturas antifranquistas –ver Boceto de Tauromaquia-.

Otra de sus influencias recae sobre los filósofos Heráclito –siglo VI a.C.- y Friedrich Nietzsche –siglo XIX-. Citaremos una breve frase aquí del segundo de estos filósofos mencionados, que nos atrae hacia nuestra búsqueda subjetiva y como habremos de sentir, nos adentrará en los pigmentos de Masson. Nietszche dice:

“(…) es preciso llevar aún algún caos dentro de sí para poder engendrar estrellas danzarinas. ¿Qué es amor? ¿Qué es creación? ¿Qué es deseo? ¿Qué es una estrella? Esas preguntas se hace el último hombre, entre gesticulaciones y guiños. (…)”

Dejaremos esta frase resonando a lo largo de nuestro trabajo.

Por otro lado, encontramos referencias al escultor Auguste Rodin y el filósofo y escritor Marqués de Sade –sobre todo en su primera época, cuando pinta sus acuarelas y dibujos eróticos-. En cuanto a las artes plásticas, los pintores españoles Pablo Picasso y Salvador Dalí lo influenciarán en su segundo período surrealista, a partir de 1937, en el momento de la representación de figuras monstruosas. En su obra americana hay huellas de la mitología india y el mundo natural. A modo de ejemplo, en alguna de sus pinturas, el mito del Minotauro le sirve para simbolizar la fuerza de la irracionalidad y su condición laberíntica.

Masson, también escritor, estableció un entramado con la literatura y los escritores durante toda su vida. Realizó numerosos decorados teatrales y fue notable su labor como grabador e ilustrador en obras de Arthur Rimbaud, Tristán Tzara y Louis Aragon, entre otros.

Nos parece adecuada la cita de una breve frase correspondiente a Tristán Tzara, extraída del manifiesto dadaísta, así como la que ya mencionamos de Nietzsche. En este caso, la frase, remitiéndonos una vez más a nuestro concepto central a futuro de caos, dice:

“¿Cómo se puede poner orden en el caos de infinitas e informes variaciones que es el hombre?”

A lo largo de nuestra exploración tendremos suerte quizás de encontrar respuesta a estas “auráticas” preguntas.

Meditación sobre una hoja de roble: invitación al abismo

Meditación sobre una hoja de roble -1942- correspondiente a su etapa surrealista- Tema: Abstracción – Temple, pastel y arena sobre tela – 101,6 x 83,3

Nos introducimos en esta pintura, y repentinamente nos sentimos en caída libre. Esta composición surrealista, nos sumerge en un estado hipnótico gracias a sus colores y líneas. Naturaleza. Humanidad. Tránsito perpetuo.

Las líneas curvas, demarcadas por la intensidad de los matices, dinamizan la estructura compositiva en una disposición concéntrica que nos remite al vital y divino sentido del “eterno retorno”. Quizás, luego de nuestro análisis, no estaremos errados al observar a Masson como nuestro superhombre.

Contemplamos una especie de viaje metabólico, de furtivos y constantes cambios, alentado por la presencia de un “vacío” implícito que logra ahogarnos en una sempiterna espiral, consiguiendo a través de los colores la recuperación de nuestro oxígeno una y otra vez.

Este vacío dinamiza la composición, otorgándole movimiento y guiándonos por un camino a recorrer compuesto por entes de un mundo por conocer, aunque con claras alusiones a la naturaleza ya conocida –posibles apariciones de gatos, peces, flores-, todo en un impecable abstraccionismo de líneas intrépidas y bravas saturaciones.

Y volvemos a adentrarnos en la obra.

En nuestras caídas vamos penetrando el automatismo de las pinceladas y descubrimos que Masson representó el “encabalgamiento de una escena sobre otra escena”: nosotros caemos repetidamente por el mismo lugar, esa anticipación de una dimensión desconocida por nosotros pero que nos guía en el constante devenir de la obra; entramos una y otra vez por el color, por la línea curva, por la vuelta a la vitalidad originaria de los trazos, el punto concéntrico que nos expande hacia los abismos absolutos pero abiertos de sentido de los extremos de la composición.

Los colores se utilizan en sus grados de mayor saturación, logrando una incomparable intensidad al estar contiguos a los planos negros, los que los hace resaltar e ir delimitando los caminos laberínticos y letárgicos que nos dirigen a un punto medio caótico, pero, paradójicamente ordenado. Hay algo que nos da estabilidad, nos hace sentir vivos, nos hace parte de una incoherencia siniestra y sugerente. Un volver sobre lo mismo, y sentirnos relajados. Nos hace recuperar el objeto perdido en las caídas a este precipicio de sentidos. Nos hace recobrar el pigmento descoloreado por la represión de nuestros días.

Esta composición nos remite a un flujo onírico. La “condensación” de las escenas antes mencionadas, y el “desplazamiento” de esos planos negros e insignificantes a los ojos desprevenidos, son en realidad, los que hacen a la sensualidad y podríamos decir, sexualidad de la obra; a su mágico esplendor.

Masson proyecta la vida misma sobre su cosmos, sexualizándola. Y nosotros mientras tanto caemos en un sueño profundo. Entramos en el trauma original: Masson nos plantea la muerte y la sexualidad en un todo sin representación estructural, un todo invasor que nos remite cada vez a nuestra huella primera. Al penetrar la obra nuestros tiempos y espacios se sobredeterminan, la atemporalidad nos persigue y nos invoca a formar parte del todo pictórico, a abandonar la realidad consciente, a expulsar y dejar ser a todo nuestro ello.

La inquietante relación entre los estilos

En relación con las cuatro obras restantes mencionadas previamente, logramos ver entonces una constante, una repetición que define, entre la pluralidad de estilos del artista, su decretada marca de autor o al menos, la decretada marca autoral que nosotros revelamos en las pinturas.

Comenzando por Los Segadores Andaluces, una pintura expresionista del año 1935, sentimos nuevamente una opresión que nos conduce a un círculo central. El caos, representado por las figuras esqueléticas nos habla de la humanidad en su más transparente manifestación: los deseos reprimidos del hombre salen a la luz con máscaras ineficaces que se traducen en angustia irrevocable a través de las líneas cortantes. Estas líneas ejercen la presión en el yo y la represión de nuestro ello en la obra, como una amenaza constante, como una declarada pérdida de la libertad consciente. La curva ya no prevalece, pero los colores mantienen su intensidad. Los colores gritan. Y esa exclamación de dolor es la que nos hace ingresar en la obra. Como nos ocurrió en Meditación sobre una hoja de roble, esos colores nos ponen alerta: nos indican que hay un más allá de ellos, hay un sentido oculto llevado a cabo por sus vacíos medianos, en el sentido que le da François Cheng, que producen una relación entre fuerzas, un equilibrio justo entre desesperación y liberación, entre caos y cosmos, entre rojo y azul, verde y amarillo.

Los segadores andaluces -1935- correspondiente a su etapa expresionista- Tema: Protesta social – Óleo sobre tela – 89 x 116 cm

En el boceto expresionista del año 1936 denominado Tauromaquia ya no nos introduciremos a la obra por el color, sino por la intensidad del claroscuro de la tinta sobre el papel. La misma intensidad proporcionada por el color en las demás obras, está igualmente realizada aquí con los valores altos y bajos. Vemos esta repetición, así como la recreación de los círculos, las curvas, la inmensidad del vacío. La figura central del toro, es la introducción de la violencia en el mundo de Masson. El toro, a punto de deshacerse del papel escapándose de él, nos señala la amenaza de un posible reencuentro con nuestra castración, denotando la rigidez del “súper yo”. El toro, una vez reducidas las tensiones dentro del propio boceto mediante la autodestrucción y su vuelta a un estado inorgánico, busca escapar de su interioridad y se sale al exterior manifestando su pulsión de muerte. Sus ojos delatan sus deseos de alejamiento del caos, de salvación. Aparece envuelto de un halo de furor divino: el toro es aquel poseído que ha sido escogido por la divinidad como instrumento para prevenir una comunidad. El blanco vacío de los extremos del boceto, le otorgan al toro la necesaria fuerza dinámica para llevar a cabo su objetivo. La crueldad de los ojos del toro, reflejo del devorar de los hombres, aniquila de a poco los límites individuales de quien lo observa, y abre nuestros abismos de la “pulsión de vida”.

Tauromaquia -1936- correspondiente a su etapa expresionista- Tema: Boceto - Tinta sobre papel - 37 x 37,5 cm

En Retrato de un adolescente americano, retrato surrealista del año 1943, volvemos nuevamente a ese juego de círculos abismales que esta vez nos detienen en la cara del joven. La cara, representación del mundo, se entremezcla con su anarquía circundante. El joven busca, direccionando su mirada fuera del cuadro, la paz en su universo de incoherencia. El joven se mira a sí mismo. Él es universo. Nosotros somos mundo y somos gracias a ese mundo. Percibimos el desorden a través de la quietud de nuestra propia mirada, de nuestro punto de vista, de nuestro lugar en el todo: los ojos del joven de Masson, son nuestros propios ojos. Los rojos vivos que invaden todo el cuadro e inscriben el rostro del joven en un fulgor peculiar casi terrorífico, laten dentro de la especialidad general, produciendo vibraciones en nuestra percepción. El vacío mediano lo encontramos aquí en “el color más tranquilo que existe”: el color verde. El apaciguamiento de éste, va confirmando la volatilidad y vitalidad de los rojos, naranjas y amarillos desperdigados por la tela.

Retrato de un adolescente en un bosque americano -1943- correspondiente a su etapa surrealista- Tema: Retrato – Óleo y arena sobre tela - 64 x 45 cm

En Lamento, su pintura informalista del año 1943, volvemos a la explosión de color, esta vez en toda su grandiosidad. Reponiendo a Resnik: “la tela, con su naturaleza en contacto con la forma y el color, substancia el mensaje plástico. La alternativa de luz y sombra en la forma configura el sentido del color, ya substanciado en la naturaleza originaria de la tela. La materia se animiza, el artista presta forma y alma a la materia”. Alma. Psique. Los colores de Masson se impactan entre ellos cual guerra irracional pero magnífica. La curva blanca que atraviesa el lienzo nos marca una vez más el retorno a la centralidad, la búsqueda de la realidad desde el desorden de los extremos inconscientes.

Lamento -1963- correspondiente a su etapa abstraccionista Tema: informalismo – Óleo y temple sobre tela - 116 x 89 cm

Luego de la introspección del mundo heteróclito: retorno a nuestro caos interior

Estamos en presencia de una persistente presión. Estamos en presencia de una sintaxis del mundo. Nuestra sintaxis del mundo reflejada en la obra de Masson. Vemos esta obra desde un corte. Desde un corte que representa nuestra ceguera parcial. Ceguera que nos muestra lo que allí vemos. Allí vemos una repetición, sobre la cual descargamos nuestra pulsión de muerte. Masson nos enfrenta con la irracionalidad, el caos, la muerte. Masson nos desafía a reencontrarnos con nuestros fantasmas.

André Masson nos obliga a enemistarnos y amigarnos nuevamente con la naturaleza –Meditación sobre una hoja de roble-, con el hombre mismo –Retrato de un adolescente en un bosque americano-, con la realidad en sus más puras y terribles manifestaciones -Los segadores andaluces; Tauromaquia-, con la espiritualidad y nuestras propias angustias –Lamento-.

De esto se deriva una ambivalencia de sentimientos frente a un único pero variado estilo. Tomamos aquí el término de ambivalente como la falta de coherencia entre el sentir y el actuar, por lo que nos enfrentamos a la obra de Masson elaborando nuestras percepciones yuxtapuestas desde nuestro particular punto de vista.

Esta percepción situada nos presenta en un primer momento un dibujo lineal, que aunque parezca abstracto, constantemente remite a figuras, objetos y cosas reconocibles de nuestro mundo. Frente a este primer instante, se da el momento extraordinario de ser en el mundo, de traspasar las huellas de lo conocido, de ir más allá de la superficie y la materialidad de la composición: nuestro punto ciego nos sitúa en una segunda instancia, gracias a la cual se infiltran en nuestros cuerpos los sentimientos, los estados de ánimo, la atmósfera que delimita nuestra visión, ojos que detectan la estabilidad del caos en Masson. Esta repetición que lo hace único y que denota una expresión cuyo producto parece modificarse constantemente frente a nosotros, parece estar en constante devenir.

Con esto, primeramente concluimos que este trabajo, posicionándonos en nuestro punto de vista, es inacabado, parcial, inconcluso: como nuestra visión del mundo.

Las obras de Masson siempre ocultarán y mostrarán nuevas cosas.

Masson devela «los secretos más profundos de la naturaleza», esos misterios que circundan y nos crean, esos enigmas que otorgan sentido a nuestra existencia, existencia que busca conocerse y reconocerse a sí misma, y que busca encontrar el mundo en su totalidad, totalidad que al fin y al cabo, nunca hemos de encontrar. Allí reside el encanto de lo inacabado. Allí reside la magia de lo caótico entre medio de nuestro camino parcialmente estable. Tomado de ...

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Técnicas de Grabado

La técnica del grabado es un método de reproducción múltiple de imágenes en el que el trabajo inicial del artista consiste en la elaboración de una matriz, también llamada plancha, en la que se realiza el diseño de la representación en negativo.

Algunos clasifican las técnicas de grabado según la materia prima de esta matriz o plancha:

	Madera que se emplea en las técnicas de xilografía y linograbado.
	Metal que se emplea en las técnicas de buril o talla dulce, aguafuerte y aguatinta entre otras.
	Piedra que se emplea en la litografía.

Matriz xilográfica.	Matriz aguafuerte.	Piedra litográfica.

Sin embargo es mas correcto efectuar una clasificación de las técnicas de grabado atendiendo al proceso de realización seguido en función del resultado que se desea obtener. Según este criterio las técnicas de grabado pueden agruparse en tres grandes apartados:

	Grabado en relieve : en la matriz se vacían los blancos de la imagen tallando la matriz por medio de gubias, cuchillas o buriles y se dejan en relieve las líneas de la composición. A este grupo pertenecen la xilografía y el linograbado.
	Grabado en hueco : en el tallado de la matriz se sigue el proceso contrario al grabado del en relieve, es decir, consiste en vaciar los negros. Las tallas pueden realizarse de dos maneras: Por procedimientos directos, o mecánicos, por medio herramientas como el buril y la punta seca. En este grupo se integran la técnica de grabado a buril, o talla dulce. Por procedimientos indirectos o químicos con ácidos corrosivos. A este grupo pertenecen entre otras las siguientes técnicas de grabado: aguafuerte y aguatinta.
	Grabado plano: la característica fundamental es que la matriz no está tallada, por lo que algunos argumentan que la obra gráfica realizada por estas técnicas no son grabados. Las imágenes estampadas se obtienen por el traspaso de las tintas directamente aplicadas sobre la matriz, o haciendo pasar la tinta a través de una trama o pantalla. Tomado de..., puedes allí ampliar información

También encontrarás información sobre ello en:

• Las técnicas del arte gráfico
• Técnicas y tecnologías del grabado

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